Zeitgleich entstehen in afroamerikanischen Gemeinden Negro-Spirituals. Sie orientieren sich an evangelischen Kirchenmelodien, sind aber im Rhythmus und Text abgewandelt. Oft verstecken sich Codes in den Texten, die anderen zur Flucht verhelfen sollen. So auch in dem bekannten Negro-Spiritual „Wade in the water“, das eigentlich von der Moses Geschichte im Alten Testament der Bibel erzählt. Der versteckte Code: Eine Flucht durch Wasser, um Spürhunden zu entgehen.

Nach Abschaffung der Sklaverei 1862 werden Negro-Spirituals durch Sängergruppen, wie zum Beispiel "The Fisk Jubilee Singers" auch im Norden der USA und international bekannt.

Im 19. Jahrhundert entsteht in den afroamerikanischen Gemeinden die Gospelmusik. Prägend dafür sind vor allem die Negro-Spirituals und die emotionale und abschnittsweise gesungene Auslegung des Evangeliums durch Prediger in den Gemeinden. Wichtige Merkmale aus den afrikanischen Kulturen, wie das Call & Response Prinzip werden beibehalten und ergänzt durch Spontanität und Improvisation für zum Beispiel neue Textstrophen oder Gebete. Thematisch ist die Gospelmusik nicht nur am Evangelium orientiert, sondern geht auch auf das Alltagsleben der Gläubigen ein.

Nach Befreiung der Sklaven 1862 entsteht die erste Unterhaltungsmusik der Schwarzen Bevölkerung in Amerika: Der Blues. Dieser verknüpft die Worksongs, Spirituals und die Gospelmusik. Meistens geht es um alltägliche Themen und um die enttäuschten Erwartungen nach dem Ende der Sklaverei. Musikalisch basiert der Blues auf dem Bluesschema: Eine harmonisch festgelegt und sich wiederholende Akkordfolge, die oft 12 Takte umfasst, aber auch in kürzeren und ausgeprägteren Varianten verwendet wird. Über diese Akkordfolgen legen sich Melodien, die sowohl vom Call & Response Prinzip der Worksongs, als auch von der Spontanität des Gospels beeinflusst sind. Wichtig ist die Improvisation, die immer wieder neue Melodien hervorbringt, und das Off-Beat-Timing.

Bis in die Mitte des 20. Jahrhundert war der Blues die Musik der benachteiligten Schwarzen Unterschicht in Amerika, vor allem im Süden. Erst seit den 1920er Jahren erreicht der Blues langsam das Massenpublikum, zum Beispiel durch Musiker:innen wie Bessie Smith oder Muddy Waters.

Anfang des 20. Jahrhunderts entsteht in New Orleans der Jazz als erste interkulturelle Musik, die europäische und afrikanische Musik direkt verknüpft. Europäische Elemente sind zum Beispiel die Blasinstrumente, die Takteinteilungen und die Akkordfolgen in typischer Kadenz-Harmonik. Afrikanische Elemente sind dagegen die rhythmischen Eigenheiten, wie der Offbeat, und auch die Improvisationen und Spontanität aus dem Blues.

Anders als der Blues ist der Jazz keine Musikrichtung der Unterdrückten. In New Orleans gab es nach Ende der Sklaverei kaum Rassentrennung, weshalb alle Bevölkerungsgruppen bei der Entwicklung des Jazz beteiligt waren und sich die europäischen und afrikanischen Merkmale verbinden. Außerdem ist der Jazz der erste Stil der afroamerikanischen Musik, der international erfolgreich ist.

In den 1940er Jahren entwickelt sich der Rhythm and Blues als neue Tanz- und Unterhaltungsmusik der Schwarzen Bevölkerung. Dabei handelt es sich, wie der Name schon vermuten lässt, um eine rhythmisch betonte und härter gespielte Version des Blues.

Rhythm and Blues ist die erste Schwarze Musikrichtung, die auch von weißem Publikum gehört wird. Durch den großen Erfolg beginnen weiße Musiker Songs von Schwarzen Musikern in einer textlich entschärften und meist softeren Version zu covern und waren damit kommerziell oft erfolgreicher. Trotzdem sind viele der prägenden Rhythm and Blues Musiker Schwarz, so zum Beispiel auch Chuck Berry.

Mit Anfang der 1970er Jahre entstehen zwei weitere Musikrichtungen, die wichtig für die Entwicklung der afroamerikanischen Musik sind: Funk und Disco.

Der Funk ist eine Weiterentwicklung des Soul in einer zielstrebigen, stark akzentuierten Version, mit nur noch wenigen Riffs. Diese Musik war vor allem bei afroamerikanischem Publikum erfolgreich.

Maßgeblich wurde der Funk von James Brown geprägt, der heute auch als Godfather des Funk bekannt ist.

Kurz nach dem Funk entwickelt sich Disco als eine Musikrichtung, die von Anfang an auch das weiße Publikum erreicht. Das liegt zum einen an den neu entstandenen Diskotheken, in denen vor allem Disco-Musik gespielt wird, aber auch an der neuen musikalischen Gestaltung. Es kommen vermehrt synthetische elektronische Klänge zum Einsatz, zum Beispiel in Form von Rhyhtmus-Computern, die einen sogenannten „four on the floor Beat“ spielen. Aufgefüllt wird dieser Beat mit Streichinstrumenten (häufig elektronisch erzeugt) und Bläsersoli. Sound und Beat sind deutlich wichtiger als Melodik und Gesang.

In den 70er Jahren verschwimmen die Grenzen zwischen Schwarzer und weißer Musik immer mehr. Die weiße Gruppe "Bee Gees" gehört zu den erfolgreichsten Bands des Disco.

Mitte der 1970er Jahre entsteht im New Yorker Ghettoviertel Bronx der Hip-Hop aus Blockparties. Die wichtigste musikalische Technik ist das Sampling: Ein DJ loopt meist instrumentale Ausschnitte aus Funk- oder Discosongs, hängt diese kurzen Ausschnitte also immer wieder hintereinander. Darüber heizt der MC, Master of Ceremony, die Menge mit Sprüchen oder spontan gereimten Versen, Witzen und Geschichten an. Daraus entwickelt sich kurze Zeit später der Rap.

Hip-Hop ist allerdings weitaus mehr als Musik. Es geht dabei auch um Graffiti-Kunst und Breakdance. Aber auch soziale Themen spielen eine Rolle.